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wolfgang hört | Die besten Alben der letzten Dekade: 2013

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Das Jahrzehnt neigt sich dem Ende zu, wir blicken zurück auf eine Vielzahl von großartigen Platten. Heute werfen wir einen Blick auf 2013, quer durch alle Genres, von The Haxan Cloak über King Krule bis zu Deafheaven.

Deafheaven – Sunbather (Deathwish, 2013)

I’ve always found something so tantalizingly crude about the genre label of ‘Blackgaze’. As a portmanteau it carries a bluntness that feels inadequate to describe the cross-section between two seemingly opposed musical styles: one known for its harsh aggression and the other for its comforting melancholy. The slippage inherent in this label is exactly what makes it such an interesting case study of musical fusion and in turn, mirrors the creative possibilities open to Deafheaven. Sunbather is a beautiful album, a pure experience of sonic elation that typifies a sound that well and truly changed the metal scene. Multiple tracking guitars soaked in reverb, warping synths, insanely propulsive drumming, long post-rock instrumental passages and George Clarke’s refined guttural screaming all combine to form something strangely gorgeous and haunting. Yet, taking a deeper look at the album’s construction, it also becomes apparent that it carries a poignancy which extends far beyond its most cited expressions of dreaming. Among it’s most thematically prevalent moments come with the title track which tells the story of affluence and wealth disparity; “Vertigo” positioning Clarke as perpetually striving for improvement yet still faced with regret and in interlude track “Windows” where we get sample recordings of guitarist Jack Shirley- at the time suffering a hellish addiction to opiates- conducting a drug deal contrasted ironically with a recording of a preacher sermonizing on the realities of „Hell”. It is rare that an album so comfortably sits in these struggles or even seems to excel through engaging with the harsh reality of personal failure. Yet the result is some of the most brutally anthemic music of the decade, produced with a clarity of vision only obscured by staring at the sun too long. An album for listening to in your car as you drive rapidly into the literal sun.

– Jarryd

The Dillinger Escape Plan – One of Us Is The Killer (Sumerian, 2013)

Bereits der erste Track von One of Us Is the Killer macht klar: Wer sich auf das bedingungslos harte, unfassbar virtuose Riff-Drum-Gemetzel von The Dillinger Escape Plan nicht einlassen kann, wird sich mit dem 2013 erschienenen Album wohl nicht anfreunden können. Wer aber genau das sucht, wird mit rhythmischer Komplexität belohnt, die der Genrebezeichnung Mathcore mehr als gerecht wird. Das Album ist dabei jedoch durchaus abwechslungsreich. Spätestens der Namengebende dritte Titel „One of Us is the Killer“, nimmt etwas Tempo heraus und liefert einen atmosphärischen Song mit eingängigem Refrain. Aber keine Sorge, die für Lead-Vocalisten Greg Puciato typischen, hohen, brutalen und nahezu verrückt anmutenden Screams kommen auf dem Album bestimmt nicht zu kurz. Die Riffs sind geprägt von hohen, dissonanten Klängen in abstrusen rhythmischen Abfolgen und die dazugehörigen Drumparts von Drumer Billy Rymer werden Schlagzeugern wohl noch in einigen Jahren Übematerial liefern. Das müssen sie allerdings auch, da die Band mit dem Nachfolge-Album Dissociation (Party Smasher, 2016) ihre (vorerst?) letzte Platte herausbrachte und sich nach den letzten Konzerten 2017 auflöste.

Für alle, die also in The Dillinger Escape Plan-Nostalgie schwelgen wollen ist One of Us Is the Killer ein absolutes Muss. Für alle, die gerade zum ersten Mal von der Band hören, ist es sehr empfehlenswert sich mit diesem Album ihrer Musik zu widmen.

– Patrick

The Haxan Cloak – Excavation (Tri Angle, 2013)

The Haxan Cloak is a name you might have come across even if you’re not usually dabbling in the genres he plays, as he scored this year’s horror film Midsommar (Ari Aster, 2019), and produced The Body’s album I Shall Die Here (RVNG Intl, 2014)

This could give you a pretty good idea of what kind of sound to expect here, because the producer’s second album, Excavation, would certainly work as a horror film soundtrack as well. It utilizes thick, bass-heavy synthesizer drones to create a quite eerie feel. Unlike many albums in the genre, it still feels rather warm for the most part, but in an almost suffocating way. More cold and metallic sounds are also present, as well as processed strings, but overall the massive, rumbling synth drone walls dominate this album, often accompanied by slow, repetitive and heavy drum beats. This would be a good album to test a sub-woofer with.

Overall, it feels like slowly sinking into quicksand, or being sucked into a swamp. Keep in mind that because of the slow tempo present here (it is an Ambient/Drone album after all), you have to be in the right mindset to listen to this. A good setting for it would be in a forest or cave, at night, alone (if you’re brave…). It’s not really a record I would recommend to just casually put on during the day.

One track that’s particularly interesting to me is “Mara”, number four on the album. It starts out with processed strings, which have a screeching, almost vocal sound, reminding us of the screams of a dying animal. The strings are accompanied by a single repeated heavy drum hit. Eventually, a rumbling bassline joins the party, completing the creepy, almost threatening atmosphere, together with clanging, metallic sounds. Unfortunately, the track ends very soon, with only the rumbling bassline remaining at the end.

The last track, “The Drop” (but where’s the drop here, bro?!), sounds almost comforting at first, at least compared to the rest of the album, and only slowly turns creepier throughout its duration of almost thirteen minutes, with the addition of ice-cold synthesizers, strings and tense percussion.

This album is not for the faint of heart, nor for people with a low attention span or an aversion to slow tempos and repetition (although it is rather eventful for a Drone album). But if you do appreciate these things, and don’t mind a little creepiness, this might just be your thing.

– Benji

King Krule – 6 Feet Beneath The Moon (XL, 2013)

What happens when you combine Post Punk riffs, Trip Hop beats and Jazz rhythmic structures with a melancholic, uber-British songwriter? Many might think something tragic, but King Krule emerged from the London scene to prove all sceptics wrong.

6 Feet Beneath the Moon manages to condense the full Lo-Fi feeling that Archy Marshall’s previously scattered output had, but in a refined, subtler way, without having to sacrifice authenticity, emotional closeness or production quality in the process. This record feels cohesive in a way in which usually only concept albums do, without the need of an overtly unified lyrical narrative.

One of the greatest strengths of this album is how rich songs are in an atmospheric level; how easy it is to be engulfed by layer after layer of sonic elements, amongst which Archy’s voice acts like a catalyst that guides the listener through them. The lyrics –crafted in a stream-of-consciousness way– and the rhyming structures in them serve more to dictate the flow and add rhythm to the songs rather than to crowd them with inane storytelling.
That is not to say that his writing lacks relatability or that it doesn’t deal with relevant subjects, as shown in “Easy Easy”, a song that, ironically enough, was written by Archy during his early teenage years, or “Cementality”, a gloomy track revolving around suicidal ideation. Perhaps the one track that shows the extent to which Archy’s talent stretches is “A Lizard State”, a highly charming, syncopated journey complete with jazzy percussions and a sax, as well as a three-person narrative.

King Krule’s formal debut is a record filled with nostalgic guitars and echoing voices that act as a bittersweet embrace. It is a record that demands to be heard in full during every relistening session because it is just that compelling, but more importantly, it’s a place to go back to when the melancholia threatens to overfill the soul for lack of a better outlet. And what an outlet this record is.

– Reg

Steven Wilson – The Raven That Refused to Sing (and Other Stories) (Kscope, 2013)

Steven Willsons 2013 erschienenes, drittes Studioalbum The Raven That Refused to Sing (And Other Stories) wird von vielen als sein Meisterwerk angesehen und darf deshalb auf unserer „End of Decade“ Liste nicht fehlen!

Der Porcupine Tree-Gründer, der selbst als Produzent tätig ist, konnte Alan Parsons für dieses Album als Produzenten gewinnen. Dessen musikalischer Einfluss auf die Platte lässt sich nicht verleugnen. Die Besetzung der Band spricht für sich. Guthrie Govan an der Gitarre und Marco Minnemann an den Drums, die ihrerseits miteinander beim genialen Projekt The Aristocrats spielen.

Adam Holzman an Keys und Synths, der unter anderem mit Chaka Khan, Wayne Shorter, Philip Glass und keinem Geringeren als Miles Davis gearbeitet hat und wohl als eine Ikone des Fusion zu bezeichnen ist. Am Bass und dem Chapman Stick ist Nick Beggs zu hören, Gründer von The Mute Gods wo er ebenfalls mit Marco Minnemann spielte.

Theo Travis auf Saxophon, Flöte und Klarinette, ein begnadeter Jazz- und Progressive Rock Musiker, der auch auf mehreren King Crimson Platten zu hören ist. Und nicht zuletzt das London Philharmonic Orchestra als Studioorchester.

Dass diese Koryphäen der Branche auf dem Album zu hören sind, macht es jedoch noch nicht zum Meisterwerk. Es sind die fünf Stücke in denen Steven Wilson seine Geschichten über das Übernatürliche erzählt, auf eine Art, so ergreifend und spannend, wie es nur ihm gelingt. Auch wenn die Klangsprache im Großen und Ganzen wohl als traurig oder melancholisch zu bezeichnen ist, gelingt es ihm die darin liegende Schönheit in den Vordergrund zu stellen und auch immer wieder Emotionen, wie Hoffnung und Erleichterung in seiner Musik erklingen zu lassen.

Musikalisch geht es in dem Album deutlich in Richtung klassischem Prog-Rock mit stark spürbaren Einflüssen aus Fusion, was wohl auch den Instrumentalisten geschuldet ist, deren Soli auf dem Album durch die Bank genial sind!

Das Ergebnis ist ein mitreißendes Album, das in einem Stück durchgehört werden möchte!

– Patrick

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